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AUGUST 2, 2021. KUNST VERSTEHEN: DIE LITERATUR ALS INSPIRATIONSQUELLE

Liebe Freunde der Galerie,

Künstler lassen sich oft von der Literatur inspirieren, um die Themen für ihre Werke zu finden. Shakespeare schafft zum Beispiel die Figur Ophelia, und macht sie zu Hamlets Geliebter. Dieser weist sie zurück und ermordet auch unabsichtlich ihren Vater, was dazu führt, dass sie verrückt wird und in einen Fluss fällt, wo sie durch das Gewicht ihres Kleides versinkt und stirbt. Das bekannteste Gemälde, das seinen Maler berühmt macht, ist das von John Everett Millais, das sich heute in der Tate in London befindet. Diese 1851 dargestellte Ophelia zeigt sie kurz bevor sie von den Fluten verschlungen wird. Ihr Modell, die schöne rothaarige Elizabeth Siddal (die auf vielen Gemälden ihres späteren Ehemanns, des Malers Dante Gabriel Rossetti, zu sehen ist), wird zum Idealbild für spätere Ophelias anderer Maler. Millais lässt sie in einer Badewanne voller Wasser posieren, worauf das Modell an einer Lungenentzündung erkrankt und der Maler die Arztrechnungen bezahlen musst. Eugene Delacroix hat seine Version 1838 erschaffen, aber 1894 malt John William Waterhouse drei Varianten, zwei mit ihrem offensichtlichen Wahnsinn und eine sitzend beim Kämmen ihrer Haare an dem Fluss, in dem sie ertrinken wird. Das letztgenannte Motiv ist wiederum von der Siddal Millais inspiriert, das auf diese Weise in dieser Rolle verewigt wird. Auch in dem 2018 gedrehten Film Ophelia sehen wir die Schauspielerin Daisy Ridley mit rotem Haar nach dem Vorbild von Millais auftreten. 

Das Thema von Shakespeare hat die Jahre überdauert und ist auch heute noch aktuell. Die Fotografin Olga Simón nimmt den Moment auf, in dem das Wasser den weiblichen Körper verschlingt, und präsentiert eine sehr poetische und neuartige Version von Ophelia in dem transparenten Blau. Die Kleidung wird zum Hauptthema und bildet eine perfekte Hülle, die den weiblichen Körper unter Wasser umschließt.  

Die Literatur ist eine ständige Inspirationsquelle für die Kunst, so wie die Kunst für den Film. Die Künste, die sich gegenseitig beeinflussen, führen zu spektakulären Ergebnissen. 

Herzliche Grüße und ich wünsche Ihnen einen schönen Sommer.

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JULY 27, 2021. KUNST VERSTEHEN: Bild im Bild

Liebe Freunde der Galerie,

Künstler haben einige kompositorische Taktiken, um den Inhalt ihrer Werke zu bereichern. Einer von ihnen bezieht sich auf das, was die Franzosen "Mise en abyme" oder Konstruktion in Abgrund oder unendlich nennen. Zur Veranschaulichung können wir uns die russischen Matroschka-Puppen vorstellen, bei denen jede eine verkleinerte Nachbildung von sich selbst enthält. Mit anderen Worten: Das Gesamtbild des Werkes wird sukzessive in sich selbst wiederholt. Dieses Mittel wird in der Literatur, im Film, in der Werbung und in der Kunst verwendet, und wir alle erinnern uns an einen Kinderreim, in dem die Wiederholungen unendlich erscheinen.

In der Malerei ist es als " Bild im Bild" bekannt und wir haben Beispiele aus allen Epochen. Anders als in der Werbung finden wir in der Kunst in der Regel nicht solche endlosen Visionen, sondern die Künstler zeigen uns andere Perspektiven der im Werk dargestellten Szene. Eines der am häufigsten verwendeten Mittel ist die Vergrößerung des dargestellten Raumes durch die Verwendung von Spiegelbildern, wie z.B. der gebogene Spiegel im Hintergrund von Jan van Eycks Arnolfini-Hochzeit (1434) zeigt die hintere Version dessen, was unseren Augen erscheint. Oder Edouard Manets Gemälde Un bar aux Folies-Bergere (1882), in dem ein großer Spiegel hinter dem Protagonisten uns den Rest der Personen im Raum zeigt. Auch Diego Velázquez führt in Las Meninas (1656) einen Spiegel ein, um uns die Könige zu zeigen, die dasselbe beobachten wie der Betrachter. Aber das ist nur ein Detail der Komplexität dieses Werkes, denn auch der Künstler selbst steht vor uns, denn was er malt, ist die Reflexion eines Spiegels, den er vor die Hauptfiguren stellt.

Diese Überlegungen begleiten Künstler, wenn sie möglichst viel dreidimensionalen Raum in den begrenzten zweidimensionalen Raum eines Bildes einbringen wollen. Diese Art von Komposition lehrt uns, dass es phantasievolle Lösungen für begrenzte Probleme geben kann.

Herzliche Grüße und machen Sie mit: 5 % des Wertes der in diesem Monat verkauften Kunstwerke werden an die Opfer der Flutkatastrophe gespendet

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JULI 20, 2021. KUNST VERSTEHEN: INTERPRETIEREN

Liebe Freunde der Galerie,

wenn wir vor einem Kunstwerk stehen, verspüren wir oft die Angst, nicht zu wissen, wie es zu verstehen ist. In Wirklichkeit ist das Interpretieren eine persönliche Antwort, nicht eine objektive. Aber unsere Interpretation darf sich nicht mit unseren eigenen Grenzen begnügen, sondern wir müssen tiefer in einige Aspekte eindringen, um den Prozess mehr und mehr zu verstehen. 

Der persönliche Ansatz ist der erste Schritt: Die Verbindungen, die unser Blick mit dem Werk herstellt, haben mit unserer Geschichte zu tun, mit dem, was wir wissen, unseren Überzeugungen, unserer sozialen Schicht usw. Aber wir müssen weitergehen und nach mehr persönlichen Antworten suchen. Es ist pädagogisch sehr interessant, diese in einer Gruppe zu entdecken, um die eigenen Vorstellungen zu erweitern. Der Prozess besteht, ganz kurz gesagt, darin, aus allen möglichen Blickwinkeln zu schauen: aus der Beschreibung dessen, was ich sehe, was ich fühle, wenn ich bei dem Werk bin, wohin es mich transportiert, was der Künstler zu mir sagt. Dann wäre es notwendig, das Werk in einem viel breiteren Rahmen zu betrachten: was ist der zeitliche, soziale und politische Kontext des Künstlers. Dafür muss man auf die notwendigen Informationen zurückgreifen können, um unser Wissen zu erweitern. Die Interpretation eines Werkes wird so nicht nur zu einer persönlichen Lesart, sondern zu einer Kombination von aufeinander bezogenen Lesarten. 

Als Beispiel werde ich einige Elemente für die Interpretation des Künstlers Mauro Fariñas und seiner aktuellen Ausstellung: The pleasure is mine vorstellen. Auf den ersten Blick ist eine Serie von Fotografien von Innen- und Außenräumen zu sehen, die durch die Farbe verbunden sind. Elemente wie Autos an abgelegenen Orten, dunkle Räume, leere Betten, Bäder und natürliche Räume können erkannt werden. Die Farbe Rot in all ihren Facetten und das kontrastierende Schwarz sind die Protagonisten. Was will uns der Künstler damit sagen? Welche Empfindungen lösen die Fotos in uns aus? Um Ihr Wissen zu erweitern, erzähle ich Ihnen, dass der Künstler Räume für schwule Liebesbegegnungen in der Stadt Helsinki beschreibt, bekannte und konkrete Treffpunkte. Jetzt können Sie beginnen, die Arbeit des Künstlers besser zu verstehen, die Mittel, die er bei der Beleuchtung und der Farbe einsetzt, um das Thema zu betonen, die Schärfen und Unschärfen seiner Kamera, die Kompositionen. Es sind keine Menschen zu sehen, aber man kann sie spüren. Die Interpretation sollte sich dem Thema durch die persönlichen Ansichten des Betrachters weiter annähern, um letztlich gemeinsam den Weg zu entdecken, den der Künstler gewählt hat, um das alles zu erzählen. 

Jede Tätigkeit des Kunstverstehens ist ein Prozess und erfordert Übung. Vielleicht haben wir nur wenige Gelegenheiten, unsere Fähigkeiten zu erfahren. 

Herzliche Grüße und machen Sie mit: 5 % des Wertes der in diesem Monat verkauften Kunstwerke werden an die Opfer der Flutkatastrophe gespendet.

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JULI, 13. 2021. IN FORMEN DENKEN: DAS HERZ

Liebe Freunde der Galerie, 

auf einigen Gefäßen des alten Ägyptens erscheint ein Symbol in der Form des Herzens, das wir heute kennen, obwohl es nicht mit der heutigen Bedeutung verbunden ist. In der griechischen Antike wird es mit der Liebe in Verbindung gebracht, aber die Form stellt ein Blatt einer Pflanze dar. Manche halten es für ein Blatt einer Sylphe, einer ausgestorbenen Pflanze, andere für das der Feige oder vom Efeu. Wir finden Herzen in der Heraldik, neun Mal im Wappen von Dänemark, in Videospielen und in den englischen und französischen Pokerdecks. In der Mathematik wird eine Kurve in dieser Form als Kardiodie bezeichnet. In der Literatur der Romantik wird darauf bestanden, dass die Emotionen in diesem Muskel entstehen, wie in Das verräterische Herz von Edward Allan Poe. In der heutigen Literatur sieht Javier Marías es als "so weiß". Die katholische Kirche macht sich das Symbol zu eigen, indem es als das dornengekrönte Organ auf der Brust Jesu dargestellt wird und nennt es das heilige Herz, von dem seine ganze Liebe ausgeht. Frida Kahlo greift auf dieses religiöse Bild und auf das anonyme Gemälde Gabrielle d'Estrées und eine ihrer Schwestern aus dem 16. Jahrhundert für ihr großes Werk Die zwei Fridas zurück. 

Leonardo da Vinci ist der erste, der das Herz als Muskel im Zentrum des Kreislaufsystems beschreibt und zeichnet. 1977 kreiert der Designer Milton Glaser das berühmteste Logo seiner Stadt: I love NY, wobei er das Wort "love" durch diese Form in Rot ersetzt. Im Jahr 2018 geht ein von Banksy gemaltes Herz in Ballonform, das aus den Händen eines Mädchens entweicht, viral, als es bei der Versteigerung in einem Auktionshaus fast von einem Papierschredder zerstört wird. Paul Klee und Joan Miró verwenden es häufig in ihren Werken, oft als Teil des weiblichen Körpers, und der Künstler Matías Krahn erforscht seine Bedeutung in der Populärkultur und sein Überleben in der heutigen Zeit.  

Und wir verwenden das Herz mit unseren Emojis jeden Tag so häufig, um zu zeigen, wie sehr wir alle lieben, oder?

Herzliche Grüße und viel Freude an der Kunst.

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JULI 6, 2021. IN FORMEN DENKEN: FRAKTALE 

Liebe Freunde der Galerie, ein Fraktal ist ein geometrisches Objekt, das eine scheinbar unregelmäßige Struktur hat, die sich aber in verschiedenen Maßstäben wiederholt. Es ist also eine selbstähnliche Form, weil ihre einzelnen Teile den gleichen Aufbau wie das Ganze haben. Fraktale gibt es seit Anfang des 20. Jahrhunderts in der Mathematik und auch als Modell für chemische Reaktionen. Aber mit etwas geringerer Genauigkeit gibt es sie auch in der Natur. Zum Beispiel sind Wolken, Bäume, Berge, Küstenlinien, Flüsse oder Schneeflocken Fraktale, weil sie mit fraktaler Geometrie beschrieben werden können. Auch unser Kreislaufsystem und sogar unser Körper haben eine fraktale Form, ähnlich wie ein Baum. Das einfachste Beispiel, um eine fraktale Form zu verstehen, ist die Betrachtung eines Romanesco, weil er sie nahezu perfekt abbildet. 

Fraktale Formen sind unserer Art, die Welt zu sehen und zu verstehen, näher als die bekannten geometrischen, auch wenn wir mit ihnen weniger vertraut sind. Ideale Fraktale wiederholen ihre eigene Struktur bis ins Unendliche, aber in der Natur sind Fraktale zufällig und haben eine Grenze. 

Es ist unmöglich, über dieses Thema zu sprechen, ohne Héctor Garrido zu erwähnen, der der erste Fotograf war, der Fotos von natürlichen Fraktalen in der Zeitschrift National Geographic veröffentlichte. Die meisten seiner Werke sind aus der Luftperspektive aus einer völlig senkrechten Position aufgenommen. Es sind Fotografien von großer Schönheit, weil sie uns die Landschaft aus der richtigen Entfernung zeigen, um die spektakulären fraktalen Formen wahrzunehmen. Seine Fotos entstehen in Andalusien und vor allem im großen Naturpark Doñana, der ein geschütztes und besonders wildes Gebiet ist. Garridos Arbeit ist international anerkannt und macht ihn zu einem der großen Naturfotografen. 

Herzliche Grüße und genießen Sie die Kunst.

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JUNI 22, 2021. DIE ROLLE DES KÜNSTLERS: UNS ZUM NACHDENKEN EINZULADEN

Liebe Freunde der Galerie, 

oft wiederholen sich Nachrichten ständig und sind so alltäglich, dass sie keine Wirkung mehr auf uns haben. Wir sind in der Lage, schrecklichen menschlichen Dramen zuzusehen und mit unserem Leben weiterzumachen, ohne davon erschüttert zu werden. Die Omnipräsenz der Bilder macht uns unempfindlich gegenüber dem Schmerz und dem Unglück anderer. Alles scheint weit weg und fremd in unserem Leben zu sein und wir verbringen nicht viel Zeit damit, uns damit zu beschäftigen. 

Das Werk der kolumbianischen Künstlerin Doris Salcedo (* 1958) lädt zum Nachdenken und Nachfühlen des Schmerzes der Opfer aller Arten von Gewalt ein. Geboren in einem unruhigen Land, lebt sie immer noch in Bogota, um Teil der Gesellschaft zu sein, die sie anprangern will. Sie geht von ihren Gesprächen mit Überlebenden bewaffneter Konflikte und anderen Opfern aus, um sich den Gefühlen zu nähern, die sie vermitteln möchte. Mit der Kraft einfacher Materialien wie Zement, Möbel oder Stoff und ohne auf erkennbar gewalttätige Bilder zurückzugreifen, schafft die Künstlerin eine Botschaft, die durch die emotionalen Kanäle des Betrachters läuft. Auf diese Weise lädt sie uns zum Nachdenken ein und lässt das Grauen der Geschichte spüren.

Um auf den Umgang Europas mit seinen Einwanderern hinzuweisen, schuf Salcedo das Werk "Shibboleth", das 2007 in der Tate Modern in London ausgestellt wurde und aus einem langen, tiefen Riss im Betonboden dieser Institution bestand, der zwar nach Ende der Ausstellung repariert wurde, dessen Erinnerung aber immer noch sichtbar ist. Die Tatsache der Misshandlung des Bodens einer "heiligen" Institution wie der Tate war bereits Teil ihres Diskurses, und der Besucher hatte das Gefühl, eine echte Wunde zu betrachten, eine schmerzhafte Öffnung auf der Haut der Kunst.  Das Gehen neben diesem Riss war ein schwer zu vergessenes Erlebnis und man war gezwungen zu wählen, auf welcher Seite man stehen wollte. Ich lade Sie ein, diese Künstlerin und ihre großartige Botschaft näher kennen zu lernen. 

Manchmal können Künstler mit sehr einfachen Mitteln auf das Gewissen der Menschen einwirken, und zwar auf eine Weise, die effektiver ist als die vieler Medien. 

Herzliche Grüße und erleben Sie die Kunst live.

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JUNI 15, 2021. DIE ROLLE DES KÜNSTLERS: DIE WAHRNEHMUNG DER GESCHICHTE ZU VERBESSERN

Liebe Freunde der Galerie, 

ich habe große Bewunderung für Diego Velázquez (1599-1660), der für mich der größte Maler in der Geschichte Spaniens ist. Er war Hofmaler und Kammerherr, d.h. er malte Philipp IV. und seine Familie, hatte die Ehre für die "Dekoration" der Gemächer und die Schlüssel des Palastes zuständig zu sein, um täglich alle Türen zu öffnen und zu schließen. Er malte Bilder, die in die Architektur der Paläste integriert wurden, um ihnen einen königlichen Charakter zu verleihen. Wenn es einen Friedensvertrag oder einen Akt gab, bei dem der König an einem anderen Ort ein Dokument unterzeichnen musste, war er für die Vorhänge und Teppiche zuständig, um die Szene zu gestalten. Eine Art Art-Director seiner Zeit. Er war schlecht bezahlt, da es ganze Monate gab, in denen er sein Gehalt nicht bekam, weil die Kassen des Königs leer waren. Er kaufte auch Kunstwerke in Italien für das Königshaus, so dass viele exquisite Gemälde im Prado auf Velázquez' guten Geschmack und sein Wissen zurückzuführen sind.  

Der Künstler malte einfache Leute wie Könige und Monarchen wie gewöhnliche Menschen. Er interessierte sich für die Personen und ihre Emotionen und präsentierte alle seine Modelle mit der größten Würde. Auf diese Weise reflektierte er die Gesellschaft und unterschied sich von den meisten Malern seiner Zeit, die nur den Adel porträtierten. Auch seine Liebe zu Tieren kam zum Ausdruck, insbesondere zu Hunden und Pferden, die in den vertrautesten Posen detailliert dargestellt sind. Seine Farben waren von einer unvergleichlichen Leuchtkraft und seine Zeichnung von großer Vollkommenheit.  

Es gibt eine Geste, die die Menschlichkeit hervorhebt, die Velázquez übermittelt hat und die wir sehr gut in dem Gemälde Die Übergabe von Breda sehen können, das den Moment nachstellt, der sich am 5. Juni 1625 ereignete. Auf dem fast 10 Jahre später gemalten Bild kapituliert Justin von Nassau, Gouverneur von Breda, vor dem spanischen Heer in Flandern unter dem Kommando des Genuesen Ambrosio de Spinola, einem großen Strategen, der die Stadt bereits seit 9 Monaten belagert hatte. Obwohl der Akt in einem großen Zelt stattfand, verlegt Velázquez ihn nach draußen, um die Landschaft und das Tageslicht einzubeziehen. Als der Gouverneur sich hinknien will, um Spinola die Stadtschlüssel zu übergeben (was die übliche Geste des Besiegten war), hält ihn dieser auf, indem er ihm die Hand auf die Schulter legt, damit er sich nicht vor dem Sieger erniedrigen muss und so bleibt Nassau in dieser leicht gebeugten Haltung. Das liegt jedoch nicht daran, dass Spinola so freundlich war, sondern dass der Künstler auf subjektive Weise über den Ausdruck seiner Figuren entscheidet. Das bestätigt auch ein anderes Gemälde, Die Belagerung von Jülich, gemalt von dem Spanier Jusepe Leonardo, welches dasselbe Thema behandelt: Hier erscheint Frederico Pithan, der Gouverneur der Stadt Jülich, kniend vor einem Spinola, der nicht einmal vom Pferd steigt.  

Manchmal wird so durch das Eingreifen des Künstlers die Wahrnehmung der Geschichte für immer verbessert. Herzliche Grüße und besuchen Sie uns in der Galerie.

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JUNI 8, 2021. IN FORMEN DENKEN: DAS DREIECK

Liebe Freunde der Galerie, 

das Dreieck wird durch zwei diagonale Linien gebildet, die sich, ausgehend von einer horizontalen Basis, in einem Punkt treffen. Seit dem Altertum war es ein sehr wichtiges Symbol, das mit der 3, der mystischen und Weisheitszahl, in Verbindung steht. In verschiedenen Religionen wie im alten Ägypten, im Hinduismus, Buddhismus und Katholizismus symbolisiert es die Vereinigung dreier Götter oder die Dreifaltigkeit. Im Judentum werden zwei Dreiecke übereinandergelegt, um den Davidstern zu bilden. In der Architektur ist es die stabilste Form und deshalb wurde es für die großen Pyramidenbauten in Ägypten und Mittelamerika verwendet. 

Das Dreieck ist die Grundlage der Geometrie, es symbolisiert in der Mathematik die Subtraktion und ist für die Trigonometrie unerlässlich. Es kann auch ein Musikinstrument, eine Liebesbeziehung oder eine kleine Sternenkonstellation sein. Wenn es mit der Spitze nach oben dargestellt wird, symbolisiert es in vielen Kulturen die Sonne, das Feuer oder das Männliche, nach unten dagegen den Mond, das Wasser und das Weibliche. (Vergessen Sie dies nicht, wenn Sie nach Griechenland reisen, um zu wissen, welches Ihr WC ist). Zeigt es nach rechts, haben wir das Play-Symbol und wenn es aus drei Pfeilen besteht, das für Recycling. Im Verkehr bedeutet es Gefahr und für Hipster ist es ihr Lieblingstattoo. 

Das Dreieck ist die Basis des "Goldenen Schnitts", der auch als göttliche Proportion bezeichnet wird, die Leonardo da Vinci in La Gioconda und bei Der Vitruvianische Mensch, Diego Velázquez in Las Meninas oder Salvador Dalí in seiner Leda Atómica verwendet haben. Andere Werke haben eine dreieckige Komposition wie La Pietà von Michelangelo, Die Geburt der Venus von Sandro Botticelli oder Das Milchmädchen von Bordeaux von Francisco de Goya, um drei einfache Beispiele zu nennen. Es ist sehr präsent in den Arbeiten der geometrischen Künstler, und unter den aktuellen widmet Matías Krahn seine Arbeit dem Forschen mit der Symbolik von Formen und Farben. 

Herzliche Grüße und besuchen Sie uns in der Galerie.

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MAI 4, 2021. IN FORMEN DENKEN: DAS KREUZ 

Liebe Freunde der Galerie,

Das Kreuz ist ein universelles Symbol und in vielen primitiven Kulturen vorhanden, um die vier Himmelsrichtungen oder die Vereinigung der Konzepte der Göttlichkeit (die Vertikale) und der Menschheit (horizontal) darzustellen.  Das Kreuz ermöglicht die Angabe einer räumlichen Position, die genauer ist als ein Punkt.  In römischen Ziffern wird die Zahl 10 mit X geschrieben. Im lateinischen Alphabet sind der Buchstabe X und die Kleinbuchstabenform von t Kreuze. So auch das Plus- (+) und das Multiplikationszeichen (x) und viele andere mathematische Symbole. In Indien, dem alten Ägypten, China, bei den Prä-Inka-Kulturen, den Azteken und für die keltische Welt war es ein wichtiges Symbol. 

Aber das Christentum eignete sich das Symbol an, indem es ihm eine große Bedeutung gab und es mit dem Leiden und dem Tod durch die Kreuzigung Christi in Verbindung brachte. Kirchen haben einen Kreuzgrundriss, wie der Kölner Dom. Es ist auch in vielen Flaggen, besonders in den skandinavischen Ländern, in der Heraldik und in militärischen und zivilen Auszeichnungen zu finden. Kreuz und Kreis können kombiniert werden. Ein Kreuz innerhalb eines Kreises ist das Sonnenkreuz oder Radkreuz, das  bis zur Bronzezeit verwendet wurde und mit der Sonne und den Zyklen von Tag und Nacht sowie den Jahreszeiten in Verbindung gebracht wird. Wenn der Kreis oben platziert ist, ist es das Symbol der Venus, und in der Biologie bezieht es sich auf das weibliche Geschlecht, was von der feministischen Bewegung übernommen wurde. Wenn das Kreuz über dem Kreis steht, ist es das Symbol der Erde und der Kirche. Es gibt sehr viele Arten von Kreuzen, aber das rote Kreuz auf weißem Grund wird mit der Medizin assoziiert und markiert neutrale Zonen in Kriegsgebieten. 

Antoni Tàpies und Joseph Beuys verwendeten es in ihren Werken sehr häufig als Symbol für das Leben, den Tod oder die Sexualität, aber nie in Verbindung mit Religion. Andere Künstler wie Malevitch, Franz Kline und Mondrian haben häufig davon Gebrauch gemacht. Und Paul Klee brachte es seinen Bauhaus-Studenten als individuelles Muster bei, das er selber in seinen floralen Motiven verwendete. Auch ist es ein Kreuz mit der Pandemie und wir alle hoffen, dass sie bald endet. 

Herzliche Grüße und bleiben Sie bitte gesund. 

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APRIL 27,2021. IN FORMEN DENKEN: DER KREIS

Liebe Freunde der Galerie, 

der Kreis ist das Symbol der Sonne und repräsentiert oft den Himmel, Vollkommenheit und Ewigkeit. Der Umfang ist der Rand des Kreises und in Bewegung stellt er die Zeit dar, die in verschiedenen Kulturen als Drachen, Schlangen und Fische, die sich in den Schwanz beißen, gesehen werden. Das Zentrum des Kreises ist der Ursprung, der Ort, von dem alles ausgeht.

Der Körper des Kreises ist die Kugel, wie die Atome und Elektronen in unserem Körper, ebenso wie der Planet, den wir bewohnen, und alle unsere Nachbarplaneten. Rund sind die Himmelsscheibe von Nebra, die Tafel von Artus Rittern, das Yin-Yang-Symbol, die Polarkreise, die Heiligenscheine und dieses Rundschreiben. Versammlungen von Menschen können Freundeskreise sein. Für die Wirtschaft ist es die Idealform (Kreislaufwirtschaft) und Dave Eggers verwandelt "The Circle" in einen Roman, gespielt im Film von Tom Hanks.

Der Kreis ist in der Symbolik aller Kulturen präsent. Viele religiöse Darstellungen basieren auf dieser Form (der Leib Christi in der Eucharistie), aber auch populäre Tänze wie die katalanische Sardana oder die Bewegung der Derwische. In der Architektur ist er seit prähistorischen Zeiten präsent (Cromlech von Stonehenge), bis hin zu den bedeutenden Fensterrosen an den Fassaden gotischer Kathedralen. Wegen ihrer Schutzwirkung waren mittelalterliche Stadtmauern kreisförmig und es ist leicht vorstellbar, dass Ringe, Halsketten und Gürtel als Talismane dienten. Noch immer versprechen sich Paare mit ihren Ringen ewige Liebe. 

In der Kunst entstanden ab dem 4. Jahrhundert v. Chr. die Tondos oder runden Darstellungen. Die Griechen verwendeten sie in ihrer schwarzen Keramik und die Römer in plastischen Reliefs im "Imago clipeata". Aber erst in der Renaissance, mit Boticelli und Michelangelo, kommen die Tondos in Mode und wir finden sie in Gemälden, Skulpturen, in Della Robias Keramiken und als architektonische Elemente. Wassily Kandinsky beschäftigt sich mit den Emotionen, die der Kreis hervorruft, Salvador Victoria widmet ihm 25 Jahre seines Lebens, Victor Vasarely und Eusebio Sempere setzen ihn mit ihrer kinetischen Kunst in Bewegung und Damien Hirst macht richtig Geld damit.

Hoffentlich kommen wir bald aus den hohen Infektionszahlen heraus, denn diese Situation wird immer mehr zu einem Teufelskreis.  

Herzliche Grüße und bleiben Sie gesund.

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