Magazin - Juana Gonzalez. MANIFEST

Wer könnte besser als die Künstlerin selbst über ihre Arbeit sprechen, was sind ihre Ziele, Themen, Ansätze, und warum nicht, Schwierigkeiten im Umgang mit dem Kunstwerk. Der Verlag NOCAPAPER BOOKS & MORE. S.L. hat eine Sammlung von MANIFESTEN verschiedener Künstler und Künstlerinne in englischer und spanischer Sprache veröffentlicht, darunter die von Juana González, von der wir hier einige Fragmente wiedergeben. 

Für diejenigen, die das Heft erhalten möchten: ISBN: 978-84-949859-3-5.


EINE ARBEIT OHNE GRENZEN

Als ich in einem Interview die folgende Meinung des Künstlers Luis Gordillo las, sah ich das verborgene Antlitz des Mondes: "Die Malerei ist eine Art zu sein, sie ist kein Beruf".

Ich betrachte mich selbst als eine Arbeiterin der Malerei und Zeichnung. Ich verwende gerne das Wort "Arbeit", um meine Tätigkeit zu bezeichnen. Ich glaube, dass der Begriff "Arbeit" in unserer Welt mehr respektiert wird als der Begriff  "Werk", das mit einem ebenso göttlichen, wie gefährlichen Heiligenschein aufgeladen ist. Meiner Meinung nach spiegelt das Wort "Arbeit" die unterschiedlichen Realitäten hinter der Arbeit jedes Künstlers wider: Anstrengung, Disziplin und technisches und intellektuelles Wissen. Mit anderen Worten: das tägliche Leben eines Künstlers.

ACHTEN SIE AUF DIE LOGIK!

Ich hoffe, dass meine Arbeit nicht viel erklärende Unterstützung braucht, um zu funktionieren. Für mich ist ein Kunstwerk eine autonome Einheit, die Emotionen, Informationen, Wissen usw. übermittelt oder kommuniziert. Ich bin nicht gegen einen a posteriori hinzugefügten Diskurs, aber das künstlerische Objekt muss in einer ersten Begegnung mit dem Betrachter von selbst funktionieren. Dies ist meiner Meinung nach eine der großen Anstrengungen und Schwierigkeiten, die die Schöpfung mit sich bringt. Der Künstler muss bei der Ausführung seiner Arbeit eine neue und persönliche Sprache schaffen. Eine Sprache, die die Fähigkeit haben muss, zu kommunizieren und zu übertragen, so wie es unsere herkömmliche mündliche und schriftliche Sprache tut. Ich glaube nicht, dass alle Kunst verstanden werden sollte. Meine Einstellung dazu, sowohl in der Schöpfung als auch in der Kontemplation, beinhaltet keine geistigen Haltungen, die das Dokumentarische, das Informative, das Logische oder das Nachforschen suchen. Was mich gerade interessiert, ist das, was nicht in seiner Gesamtheit erklärt oder verstanden werden kann oder muss. Das ist für mich sehr reizvoll, weil es Neugierde und Fragen ohne klare Antworten bei denen erzeugt, die darüber nachdenken, und sie nicht von einem Reflexionsprozess ausschließt.

Ich versuche immer, das Geheimnis zu wahren und Zustände der Verwirrung und Unsicherheit zu schaffen. Diese Empfindungen sind für mich sehr real, denn das Leben versetzt einen ständig in einen Zustand der Unsicherheit. Und natürlich lässt mich meine Vorliebe für das Dunkle, Groteske und Harte in diesen Zuständen der Verwirrung und Unsicherheit, die ich zu schaffen versuche, eine gewisse Freude finden.

Meine Bilder sind in einer etwas barocken Komposition inszeniert. Szenarien, in denen die Figuren in eine Geschichte verwickelt sind. Es gibt eine Erzählung, aber sie ist unvollständig. Es sind Fragmente einer Geschichte, bei der ich nicht genau weiß, was passiert, und ich will es auch nicht wissen. Ich möchte in diesem Zustand der Verwirrung und Benommenheit bleiben, der durch die Betrachtung einer mysteriösen Szene hervorgerufen werden kann. Sie sind auch kein absoluter Unsinn. Das interessiert mich nicht. Ich bin der Meinung, dass es genügend Elemente gibt, um mögliche Erzählungen zu konstruieren, je nachdem, wie man es betrachtet. Auf diese Weise tritt der Zuschauer in das Spiel ein, zu versuchen, die Bedeutung zu lesen, zu verstehen oder zu entdecken.

ZUTATEN UND AUSARBEITUNG

Was meine Vorstellungskraft betrifft, so baue ich diese mysteriösen oder unvollständigen Geschichten aus Bildern auf, die plötzlich in meinem Kopf auftauchen, wie ein Blitzlicht. Manchmal verwende ich Material aus meinen eigenen Träumen, vor allem in meinen Zeichnungen. Ein anderes Mal extrahiere ich Elemente aus einem Film oder Dokumentarfilm, die mich aus irgendeinem impulsiven und viszeralen Grund erwischt haben.

Das ist der konzeptionelle Beginn jeder Arbeit. Immer, wenn ich mit der Arbeit an einem Werk beginne, habe ich eine bestimmte Vorstellung, die ich dann in möglichst einfachen Skizzen in meinen Notizbüchern festhalte, weil ich mich darin nicht abnutzen möchte. Ich ziehe es vor, diese Energie für die abschließende Arbeit zu reservieren. Nach dieser Arbeit beginnt mein ständiger Kampf zwischen zwei mächtigen Präsenzen. Einerseits ein wichtiger narrativer Inhalt, weil ich jene Fragmente von Geschichten konstruiere, die ich gelesen haben möchte, und andererseits der rein formale Teil des Gemäldes, seine plastische Präsenz selbst. Das sind zwei Teile, die mich ständig unter Spannung setzen, weil ich nicht will, dass es in diesem Kampf einen Verlierer gibt.

Ich glaube aufrichtig daran, dass im Ergebnis meiner Arbeit dieser Kampf der Kräfte gewürdigt werden kann.

ICH BEEINFLUSSE, DU BEEINFLUSST, ER BEEINFLUSST...

Einer der Künstler, der mich am meisten interessiert und beeinflusst, ist Neo Rauch. Ich halte ihn für ein Genie, und für mich ist er "der Erneuerer der Malerei". Ich möchte mich nicht gegen diesen Einfluss verteidigen, denn ich bin der Meinung, dass die Geschichte (die der Kunst, der Wissenschaft usw.) dank des Einflusses der Arbeit anderer aufgebaut wird, und einige von ihnen haben wunderbare Ergebnisse erzielt. Die Entdeckung des Werkes von Neo Rauch hat mich vor einer Einsamkeit bewahrt, die ich vor einigen Jahren zu empfinden begann, als die figurative und narrative Malerei, die ich immer gemacht habe, fast vollständig aus den künstlerischen Kreisen verschwunden war. Das ist es vielleicht, wofür ich am dankbarsten bin.

Aber es gibt auch andere Künstler, deren Arbeit mich sehr interessiert. Unter ihnen hebe ich Adrian Ghenie hervor, wegen der Kraft seiner Malerei und weil er am Ende die Figuration in reine Abstraktion und Plastizität verwandelt. Ich bewundere auch Luis Gordillo für seine wunderbare Modernität und Frische und Abraham Lacalle aus ganz ähnlichen Gründen. Letztere helfen mir, mich aus einer exzessiven Figuration in meinem Werk zu befreien, und bringen mich der Abstraktion etwas näher. Zusätzlich zu all diesen Einflüssen habe ich die klassische Malerei sehr stark im Sinn.

Schließlich ist die Collage eine Technik, die mich schon immer sehr interessiert hat und die in meiner Arbeitsweise sowohl inhaltlich als auch formal in meinen Gemälden und Zeichnungen sehr präsent ist, weil sie in ihrer Aktion des Fragmentierens und Verbindens von Stücken unterschiedlicher Natur sehr interessante Spannungen erzeugt. 

Meine Inszenierungen sind genau das, Fragmente von mehreren Szenen, die auf eine bestimmte Art und Weise kombiniert werden, um eine Erzählung mit möglichen Lesarten zu schaffen. Im rein formalen Teil meiner Gemälde gibt es auch diese "Collagemethode", bei der Figuration und Abstraktion im selben Bild kombiniert werden. Sogar innerhalb des figurativen Teils eines jeden Werkes gibt es Fragmente, die der klassischen Malerei näher stehen, andere einer eher gestischen und expressionistischen Malerei oder sogar der Malerei als Zeichnung. 

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