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APRIL 20,2021. EIN GRUND ZU FEIERN!

Liebe Freunde der Galerie,
es scheint unglaublich, dass gestern schon 14 Jahre vergangen sind seit der ersten Ausstellung in den genau 100 Kubikmetern der Brüsseler Straße, oder in "der Pralinenschachtel", wie meine Künstler die kleine Galerie getauft hatten, in der wir ihre Arbeiten mit viel Leidenschaft zeigten. Eine Galerie zu eröffnen war keine von langer Hand geplante Entscheidung, sondern eine Konsequenz aus meinem Werdegang und der Wahl, in diesem Land arbeiten zu wollen. Wenn ich über irgendetwas ein wenig Bescheid wusste, dann über spanische Kunst und Künstler. Ich war Dozentin gewesen, hatte als freie Kuratorin für einige Museen und Institutionen in Spanien gearbeitet und einige Bücher und noch mehr Artikel über Kunst veröffentlicht.  Kaum ein Jahr nach einer dieser Ausstellungen, genauer gesagt der von Alberto Hernández (der aktuelle Künstler in der Galerie) im Museum für Angewandte Kunst in Köln in Zusammenarbeit mit dem Nationalmuseum für Keramik in Valencia, hat alles damals angefangen. Das Foto ist von 2007, bei der Eröffnung der Galerie mit Arcadio Blasco, einem der einflussreichsten Künstler in meinem Leben, der 2013 von uns gegangen ist. 2012 zogen wir in die Mohrenstraße.

In 14 Jahren konnten Sie 92 Einzel- und Gruppenausstellungen spanischer und lateinamerikanischer Künstler sehen, sowie an Konzerten, interaktiven Gruppenführungen, Workshops und Vorträgen teilnehmen. Viele Künstler stellten bei uns zum ersten Mal in Deutschland aus. Es war nicht einfach, das Vertrauen von Ihnen, den Kunden, zu gewinnen, weil viele Künstler, obwohl in Ihrem Land schon berühmt, hier nicht so bekannt waren. Aber das war von Anfang an die Herausforderung: Sie mit ihrer Qualität zu überzeugen. Der Weg bis hierhin war immer bereichernd und manchmal langsam, und ich danke Ihnen für all Ihre Anregungen, Ermutigung und freundlichen Worte. Vor allem aber danke ich Ihnen, dass Sie mir erlauben weiter Geschichten zu erzählen!  

So erhebe ich auch aus der Ferne mein virtuelles Glas auf so viele schöne Momente, auf die Erfolge meiner Künstler (der letzte, der Erwerb eines großen Werkes von Juana González durch die bedeutende Collection Solo) und auf Sie alle, die sich an der Kunst erfreuen können und etwas glücklicher sind, seit Sie ein Werk aus der Galerie 100 Kubik erworben haben. 

Herzliche Grüße, bleiben Sie weiter gesund und feiern Sie die schönen Dinge des Lebens!

APRIL 13, 2021. IN FORMEN DENKEN: DAS QUADRAT

Liebe Freunde der Galerie, 

das Quadrat, und in Ermangelung dessen das Rechteck, ist die vom Menschen am häufigsten verwendete Form. Wir sind von quadratischen Formen umgeben. In der Psychologie der Form hat es einen statischen und strengen Charakter. Es entspricht der Symbolik der Zahl 4 und ist der geometrische Ausdruck aller vierteiligen Einteilungen: die vier Elemente (Feuer, Luft, Erde, Wasser), die Jahreszeiten, die Mondphasen, die Lebensalter und vor allem die vier Himmelsrichtungen. Das Quadrat definiert auch ein Maß für eine Fläche (Quadratmeter) und in der Mathematik gibt es die Quadratwurzel. In der Musik hat die Quadratnote den Wert von zwei 4/4-Takten. Als kosmisches Symbol repräsentiert es die Erde im Gegensatz zum Kreis des Himmels. Sein Volumenkörper, der Würfel, wird ebenfalls mit dem Irdischen assoziiert.

Im alten China hatte der Palast des Kaisers vier Türen und er lebte, den Jahreszeiten folgend, in bestimmten Räumen in wechselnder Weise. Für die Hindus ist die Idee der Vollständigkeit mit der Zahl vier verbunden, was mit Platon übereinstimmt, für den die Vollständigkeit vier Winkel hat und auf vier Füßen ruht. Die Mesopotamier glaubten, dass die Form der Erde quadratisch sei und für den Islam war es die Form des Herzens. Viele der heiligen Räume der verschiedenen Religionen haben eine quadratische oder rechteckige Form. Im Buddhismus bezieht sich das Quadrat auf die Erleuchtung des Geistes und im Christentum auf ein rechtschaffenes Leben. 

Vor 106 Jahren malte Kasimir Malewitsch ein schwarzes Quadrat auf einen weißen quadratischen Hintergrund und revolutionierte damit die Malerei. Piet Mondrian, Josef Albers, Mark Rothko und fast alle Künstler der geometrischen Abstraktion wurden von ihr bewegt. Für Digitalkünstler hat es eine große Bedeutung und Gerhard Richter verwendete es für seine Glasfenster des Kölner Doms. In der lateinamerikanischen Kunst macht der Kubaner Waldo Balart sie zum Protagonisten eines Großteils seiner Arbeiten, in denen er mit der Wirkung von Farbe experimentiert. Umgangssprachlich bezeichnen die Spanier die Deutschen als Quadratköpfe, weil sie Ordnung und Stabilität lieben, aber auch, in einem weniger positiven Sinne, nicht sehr improvisationsfreudig sind. 

Herzliche Grüße und bleiben Sie gesund.

APRIL 6, 2021. ES GIBT BILDER, DIE WEH TUN

Liebe Freunde der Galerie, 

muss Kunst Bilder schaffen, die weh tun? Normalerweise ist die Kunst dafür zuständig, uns zum Denken einzuladen, oder sie übernimmt die Rolle zu suggerieren, überraschen, anreizen, erinnern, prophezeien, heilen, andeuten, versüßen oder Zeugnis abzulegen. Ihre aktuelle Aufgabe ist es nicht, Gewalt direkt zu zeigen, dafür gibt es das reale Leben und die Medien. Aber in der Kunstgeschichte kennen wir Munchs Schrei, Picassos Guernica, Bacons Figuren, Goyas Kriegsdesaster, Boschs Garten, Rubens' Massaker an den Unschuldigen, Christi Kreuzigungen oder die Martyrien von Heiligen von so vielen Künstlern, die diese als Realität dargestellt haben. In vielen Fällen waren sie Übersetzungen der biblischen Geschichten in Bilder, damit die Menschen sie verstehen und sich vorstellen konnten, mit unterschiedlichen Zwecken, aber immer auf der Suche nach einer Reaktion der Zuschauer. 

Für mich ist die Künstlerin, die den Schmerz am besten erzählt hat, die Mexikanerin Frida Kahlo, gerade weil sie sehr genau wusste, wovon sie sprach. Ihre Bilder haben nicht die Größe einiger der oben genannten Gemälde. Dieses Werk mit dem Namen "Die zerbrochene Säule" misst kaum 40x30 cm und reicht aus, um den Schmerz dieser Frau zu übermitteln, die keine 50 Jahre alt wurde. Sie hat uns gelehrt, dass Kunst authentisch und großartig sein kann, auch wenn sie aus dem Persönlichsten heraus ausgedrückt wird, und zwar ohne Geschrei oder Theatralik. Das Bild wurde 1944 gemalt, befindet sich im Dolores Olmedo Museum in Mexiko-Stadt und stellt die Künstlerin vor einem Gioconda Hintergrund und voller Nägel dar, mit einer an mehreren Stellen gebrochenen ionischen Wirbelsäule. Sie hat Tränen in den Augen, aber ohne jeden Ausdruck von Schmerz, eher mit der Würde der Akzeptanz von jemandem, der kein Held ist. Und doch spüren wir ihr Leiden mehr, als wenn sie die Mimik von Munchs oder Bacons Figuren übernommen hätte. Die Künstlerin stellt das Unerträgliche so dar, als könne man es ertragen. Ihr Schrei ist stumm und deshalb umso klangvoller, aber da es so ein kleines Bild ist, können wir ihn noch hören?  

Viele von uns zeigen in diesem Moment einen ähnlichen Ausdruck und versuchen so, die Situation, an die wir alle uns anpassen müssen, zu ertragen. Muss die Senkung der Pandemiezahlen davon abhängen, dass Einige geopfert werden, zum Beispiel kleine Geschäfte, während Andere in den Urlaub fliegen? Ist eine gerechtere Verteilung der Verantwortung wirklich nicht möglich? Wenn diese Ungleichheiten auftreten, gibt es Bilder, die weh tun. 

Herzliche Grüße und bleiben Sie gesund.

MÄRZ 30, 2021. ZURÜCK IN DIE ZUKUNFT

Liebe Freunde der Galerie,

als ich "Schöne neue Welt" von Aldous Huxley las, weiß ich nicht, ob ich zu jung dafür war, aber es hat mich so sehr beeindruckt, dass ich davon überzeugt bin, dass es mein ganzes Leben lang meine Art zu denken und alles zu hinterfragen beeinflusst hat. Er beschreibt eine zukünftige Gesellschaft, in der Liebe, Kunst, Religion und Emotionen den Sinn ihrer Existenz verloren haben. Obwohl diese zukünftige Zeit auf ca. das Jahr 2500 datiert ist, denke ich, dass wir diesem Szenario recht nahe kommen werden, bevor das vom Roman vorhergesagte Datum erreicht ist. Die Liebe, obwohl sie existiert, hat ein kurzes Leben, weil sie mit dem Teilen mit anderen Menschen zu tun hat, und das ist aus der Mode gekommen. Die Religion wird dank der sexuellen Missbräuche der "Zölibatäre" und ihrer Unfähigkeit, die aktuelle gesellschaftliche Situation wahrzunehmen, immer uninteressanter und verliert mit jedem Tag Kunden. Die Kunst verändert ihre Rolle und wird zur besten Währung auf dem Markt. Und Emotionen sind sehr schwer auszudrücken und zu fühlen, wenn wir unsere Welt auf das beschränken, was wir durch einen Bildschirm sehen können. Aber eine Emotion ist in uns allgegenwärtig: die Angst. Sie scheint all unseren Handlungen im Moment zugrunde zu liegen, und sie lässt jeden von uns anders auf diese unbekannte, pandemiebedingte Situation reagieren. Die Ängste, die wir haben, sind zahlreich und vielfältig, aber die Angst vor der Gegenwart und besonders vor der Zukunft ist etwas, womit wir nicht gerechnet haben. 

Kronos oder Saturn, der Gott der Zeit, beschloss, seine Kinder eines nach dem anderen zu fressen, weil er seinen Thron bedroht sah. Nur sein Sohn Zeus konnte mit Hilfe seiner Mutter gerettet werden und entthronte ihn schließlich. Peter Paul Rubens malte das Motiv auf einem Ölgemälde, das sich heute im Prado-Museum befindet. Es wurde 1638 von Philipp IV. in Madrid in Auftrag gegeben, um sein Jagdschloss zu schmücken. Doch so schrecklich das Sujet dieses Werkes erscheint, in dem ein unschuldiges Baby von seinem Vater verschlungen wird, um so beeindruckender finde ich dasjenige, das Francisco de Goya um 1820 an die Wände seines Hauses malte, ebenfalls heute im Prado. Damit wollte er seine Verzweiflung über die politische Situation in seinem Land symbolisieren, kurz bevor er ins Exil ging. Es ist eines der Schwarzen Gemälde des Künstlers. Hier ist Saturn erschrocken über die Zukunft, die er sich vorstellt, und beschließt, auf die schlimmste Weise zu handeln, mit der Brutalität der Panik und ohne sich um die Konsequenzen zu kümmern. 

Ich hoffe, dass wir in dieser Osterzeit die Konsequenzen unseres Handelns abwägen, um diese unerträgliche Situation nicht noch schlimmer zu machen. Beste Grüße, frohe Ostern und bleiben Sie gesund.

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MÄRZ 23, 2021. DANKE FÜR IHRE MEINUNG

Liebe Freunde der Galerie, 

es ist nun bereits ein Jahr her, dass ich begonnen habe, Ihnen jeden Dienstag diesen Newsletter zu schicken, mit kurzen Texten, die über die durch den Coronavirus verursachte Situation, über Kunst und die Ungewissheit der Gegenwart und der Zukunft reflektieren. Ich habe auch einige "Exkursionen" eingebaut, über Farben und Verweise auf Gemälde oder Geschichten von Künstlern, um ihnen die Kunst aus anderen Perspektiven näher zu bringen. Heute, nach mehr als 50 Texten, wage ich es, Sie nach Ihrer Meinung zu fragen. Schreiben Sie mir, was Ihnen mehr und was weniger gefallen hat, was Sie interessiert hat und was nicht, was Sie von nun an über Kunst im Allgemeinen und über spanische und lateinamerikanische Kunst im Besonderen wissen wollen, aber auch welche Erfahrungen Sie im letzten Jahr mit Kunst gemacht haben.  

Kunst hatte schon immer einen rettenden Charakter, und glücklich sind diejenigen, die diesen entdecken und daran festhalten können, um schwierige Zeiten und Krisen zu überstehen. Kunst bietet uns diesen unbekannten Raum, in dem wir uns selbst besser kennenlernen können. Sie lädt uns zum Nachdenken ein und bietet uns viele Dinge, die wir brauchen, manchmal ohne dass wir uns darüber bewusst sind, was uns fehlt. Die Galerien bieten Ihnen einen Raum der Annäherung und des Dialogs mit den Kunstwerken, aus nächster Nähe und, ob Sie es glauben oder nicht,  obendrein auch noch kostenlos. Legen Sie die Angst vor dem Besuch von Galerien ab und wagen Sie sich an die Kunst heran (wir haben noch von niemandem gehört, der von einem Galeristen oder einer Galeristin verschlungen wurde). Über die Kulturarbeit, die wir kleine Galerien leisten, wird im Allgemeinen wenig berichtet, aber erfreulicherweise wurden auch wir im Rettungspaket "Neustart Kultur" berücksichtigt, um finanzielle Unterstützung für unser Programm beantragen zu können. Das verschafft uns ein wenig Erleichterung in dieser Zeit, in der wir gezwungen waren, für viele Monate zu schließen, um die Zahl der Infizierten zu senken. Es war für uns alle, Galerien, Museen und Künstler aller Disziplinen, sehr frustrierend, die strikten Regeln zu beachten und geschlossen zu bleiben, während wir unsolidarischen Menschen zusehen mussten, die Karneval feierten oder sich privat in Gruppen trafen. 

Aber jetzt haben wir Galerien geöffnet und freuen uns darauf, Sie zu begrüßen und Ihnen die Ausstellungen zu zeigen, die wir mit allen Sicherheitsmaßnahmen vorbereitet haben. Kommen Sie und genießen Sie die Kunst und die Künstler mehr als je zuvor - und vergessen Sie nicht, mir Ihre Meinung zu schicken. 

Herzliche Grüße, bleiben Sie gesund und tun Sie Ihr Bestes, damit alle Geschäfte weiter offen bleiben.   

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MÄRZ 16,2021.  IN FARBEN DENKEN: SCHWARZ

Liebe Freunde der Galerie,

schwarz ist die letzte der Farben in dieser Serie. Es ist die Farbe, die entsteht, wenn alles Licht absorbiert und nichts reflektiert wird. Schwarz hat negative Konnotationen, weil es seit Anbeginn der Menschheit mit der Nacht und Gefahr in Verbindung gebracht wird. Es definiert auch das Unerwünschte, das Illegale und das Verbotene: Ein Schaf, eine Namensliste, Arbeit, der Markt oder Geld können schwarz sein, aber auch alles, was mit dem Bösen in Verbindung gebracht werden kann, wie Magie oder die Zukunft. Es ist die Farbe des Todes und der Trauer im Westen, aber auch die Farbe des Gürtels des höchsten Ranges in einigen Kampfsportarten. In der Astronomie wird das Ergebnis des Gravitationskollapses eines Sterns als Schwarzes Loch bezeichnet, und es ist die Farbe, die mit der am meisten missbrauchten Rasse der Geschichte assoziiert wird. 

Es wird angenommen, dass die erste Zeichnung der Menschheit diese Farbe hatte, das Ergebnis des Kratzens an den Höhlenwänden mit einem Stück verbrannter Holzkohle. In Wirklichkeit gab es keinen natürlichen Farbstoff, um das Schwarz für die Malerei zu erhalten, da Ruß und Holzkohle sich in Wasser auflösten und keine echten Pigmente waren. Renoir benutzte Elfenbein, um diese Farbe zu gewinnen, und im Allgemeinen erhielten Künstler ab dem 17. Jahrhundert diese Farbe aus Rinder- und Lammknochen, die sie verbrannten und zu einem Pulver zermahlten. Die Impressionisten vermieden es, sie in ihren Werken zu verwenden, weil schwarz nicht für eine Farbe hielten. "Schwarze Bilder" nannte man die 14 sehr persönlichen Werke, die der Spanier Francisco de Goya zwischen 1819 und 1823 an die Wände seines Hauses malte und die sich heute im Prado-Museum befinden. Pierre Soulages hat Schwarz zum alleinigen Protagonisten in seinen Gemälden erhoben, Ignacio Llamas integriert sie in jede seiner Fotografien und Eduardo Chillida gab sie in seinen Arbeiten auf Papier den Wert einer skulpturalen Masse, im Gegensatz zum Weiß des leeren Raums.  

Der mächtige König Philipp II. machte es zur Mode, sich "im spanischen Stil", also in Schwarz, zu kleiden, wie wir ihn im Porträt von Sofonisba Anguissola sehen, und die europäischen Höfe ahmten ihn nach. Und er tat es, weil er den Import des Textilfarbstoffs "Krähenflügel" beherrschte, der aus dem mexikanischen Campeche- oder Blutholzbaum gewonnen und schon von den Mayas verwendet wurde. Jahrhunderte später war es Coco Chanel, die Schwarz in Mode brachte. Wegen ihres seriösen Charakters wurden auch die venezianischen Gondeln im 16. Jahrhundert schwarz gestrichen, um die bunte Atmosphäre der hektischen Stadt und der vielen Feste zu bremsen. In der Politik ist es die Farbe des Anarchismus, aber auch der Rechten und in der Literatur gehört schwarz zu dem Kriminalroman. 

Das Denken in Farben hat uns diese und einen kleinen Teil ihrer Geschichte näher gebracht. Hoffentlich werden wir bald aus dieser Pandemie herauskommen und nicht mehr so schwarz sehen. 

Herzliche Grüße, bleiben Sie gesund und tun Sie Ihr Bestes, um die Zahlen zu senken.

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MÄRZ 2, 2021. IN FARBEN DENKEN: ORANGE

Liebe Freunde der Galerie,

obwohl die Orangenfrucht im islamischen Mittelmeerraum dank der Araber bereits seit Ende des 10. Jahrhunderts bekannt war, existierte bis zum 16. Jahrhundert kein Eigenname für die Farbe Orange.  Sie war als Rotgelb bekannt und erhielt erst durch Assoziation den Namen der reifen Frucht. Sie ist die dritte der Sekundärfarben und die Gegenfarbe zu Blau.  

Das Mineral Realgar wurde verwendet, um Mumienbinden im alten Ägypten und europäische Manuskripte des Mittelalters orange zu färben. Im antiken Rom wurde das Mineral Operment oder Goldpigment verwendet, um Orange zu erhalten, obwohl es aufgrund des enthaltenen Arsens sehr giftig war. Keines dieser Pigmente wurde für die Malerei benutz, weil sie sich schwärzlich verfärbten. Seit dem Beginn des 19. Jahrhunderts gewann man das orangefarbene Chrom, ein synthetisches Pigment, das die Impressionisten und insbesondere Vincent van Gogh in ihrer Malerei verwendeten. Kandinsky beschreibt Orange als Farbe von Kraft, Energie, Ehrgeiz, Freude und Triumph, und deshalb haben wir es für unser Logo übernommen.  

Wegen seiner Intensität und Sichtbarkeit wurde Orange im Zweiten Weltkrieg für die Schwimmwesten der US-Marine verwendet und wird auch heute noch für die Uniformen in vielen US-Gefängnissen benutzt.  Im Allgemeinen ist es ein Symbol für Aufmerksamkeit in gefährlichen Situationen. In Deutschland wird es auch bei kommunalen Arbeitsfahrzeugen eingesetzt und von deren Mitarbeitern getragen.  

Orange ist die Farbe der Niederländer, weil sie es schafften, der Karotte (die bis dahin violett war) diese Farbe zu geben, die damit zum Symbol der Unabhängigkeit von dem spanischen König Philipp II. wurde. Und weil es die Farbe des Königshauses Oranien-Nassau ist (Oranje in ihrer Sprache). Die Stadt New York trägt die Farbe in ihrer Flagge, um an die niederländischen Einwanderer zu erinnern, die die Stadt im 17. Jahrhundert als Nieuw-Amsterdam gründeten. Buddhisten und Hindus verwenden es in den Gewändern ihrer Mönche, weil es das innere Licht symbolisiert. Es ist die Farbe des Geheimlacks, den Antonio Stradivari für seine Geigen verwendete. John Anthony Burgess brachte es in die Literatur mit dem brutalen Roman Uhrwerk-Orange, der durch Stanley Kubricks Film von 1971 berühmt wurde, und Rainer Maria Rilke ließ die Orange in seinem Sonett an Orpheus tanzen. 

Orange ist auch das beste Antidepressivum. Was für ein Segen in der jetzigen Zeit! Herzliche Grüße, bleiben Sie gesund und tun Sie das Richtige, damit die Geschäfte bald öffnen können.

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FEBRUAR 9, 2021. IN FARBEN DENKEN: PURPUR

Liebe Freunde der Galerie, 

Purpur, Violett, Lila oder Malve sind Schattierungen der gleichen Farbe, die sich aus der Mischung von Rot und Blau ergeben, abhängig von der Menge des einen oder des anderen Anteils. Es ist eine Farbe, die mit Magie, Spiritualität und Frömmigkeit assoziiert wird. Die Phönizier beherrschten die Produktion dieser Farbe im gesamten Mittelmeerraum und hüteten das Geheimnis: Sie gewannen sie aus kleinen Muscheln, indem sie das Weichtier zerdrückten. Zu ihrer Zeit war der Purpur von Tyros berühmt, wobei diese Stadt des heutigen Libanon das Hauptproduktionszentrum war.

Zur gleichen Zeit wurde diese Farbe im Golf von Mexiko in präkolumbianischer Zeit mit dem gleichen Verfahren hergestellt, aber sie quetschten die Molluske aus, ohne sie zu töten und konnten die Flüssigkeit mehrmals extrahieren. Heute kostet ein Gramm dieses Purpurs mehr als 2.000 Euro. 1856 entdeckte ein 18-jähriger Chemiestudent aus London, William Henry Perkin, zufällig im Labor den ersten künstlichen Farbstoff der Geschichte, das erste Anilin, und nannte es Malve. Von nun an konnten alle Farben künstlich hergestellt werden, und wir können uns vorstellen, welche Revolution dies bedeutete. 

Purpur ist die Farbe, die Schmetterlinge am besten erkennen, obwohl sie nicht in der Lage sind, Rot zu sehen. Es war Kleopatras Lieblingsfarbe und sie verwendete sie nicht nur auf den Segeln ihrer Schiffe, sondern auch auf den Wänden und Stoffen ihres Palastes, um ihre Macht zu zeigen. Die römischen und byzantinischen Kaiser behielten sich die exklusive Nutzung vor. Karl der Große wurde in einem purpurnen Gewand gekrönt. Es gab strenge Regeln für die Verwendung dieser Farbe in der Kleidung, die sich zu verschiedenen Zeiten änderten, von der Todesstrafe über Jahrhunderte bis zur ausschließlichen Verwendung durch Frauen (nur im 3. Jahrhundert). Ab dem 15. Jahrhundert verwendete die katholische Kirche sie, nicht für Päpste und Kardinäle, die rot trugen, sondern für Bischöfe und Erzbischöfe. Francis Bacon kleidet Papst Innozenz X. in Purpur, obwohl Velázquez ihn in der Originalversion in Rot gekleidet hat. Claude Monet und Gustav Klimt nutzen sie oft in ihren Werken. 1985 präsentierte Spielberg seinen beeindruckenden Film "The color Purple"  und 4 Jahre später kam es in Südafrika zum "Purple Rain-Protest" gegen die Apartheid, bei dem die Polizei die Demonstranten mit einem Wasserwerfer in dieser Farbe besprühte. Und vergessen wir nicht, dass Purpur zu Beginn des 20. Jahrhunderts die Farbe des Frauenwahlrechts war und seit den 1960er Jahren von der feministischen Bewegung übernommen wurde. Es war kein Zufall, dass es von drei Frauen bei der Amtseinführung von Präsident Biden gewählt wurde: Kamala Harris, Hillary Clinton und Michelle Obama trugen sie um die Tatsache zu unterstreichen, dass Frauen an die Macht gekommen sind. 

Herzliche Grüße, besuchen Sie die neue Ausstellung (auch gut von der Straße aus zu sehen), bleiben Sie gesund und handeln Sie richtig für die Gesundheit aller.

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